La ilustración de moda: un arte imprescindible para enriquecer la alfabetización visual
"El trabajo manual exige observación, tiempo, reflexión y toma de decisiones conscientes. Con ello el alumno dialoga con el material, comprende sus posibilidades y aprende a desarrollar una sensibilidad visual que difícilmente podría adquirirse únicamente a través de una pantalla". © ADOBE STOCK
Recepción y Análisis
Como parte del primer saber básico, la recepción o percepción y el análisis se ejercitan mientras se adquieren conocimientos sobre el patrimonio histórico-artístico. De esta forma, se asimila la cultura visual contemporánea como resultado de una evolución.
Así pues, en los últimos cursos del segundo ciclo de Primaria, podríamos incluir la ilustración en una variedad de estilos, mostrando trabajos de ilustradores de moda contemporáneos y de otros siglos.
La siguiente es tan solo una breve lista de ilustradores de otras épocas de la que partir, porque serían muchos los ejemplos a tener en cuenta:
– Richard Gaywood. Aprox. 1630-1680.
– Niklaus von Heideloff. 1761-1837.
– George Barbier. 1882-1932.
– Dorothy Hood. 1902-1970.
– René Gruau. 1909-2004.
– Betty Brader. 1923-1986.
– Jay Hyde Crawford. 1930-2013.
– Antonio López. 1943-1987.
– Isao Yajima. 1945-2006.
– George Stravinos. 1948-1990.
Experimentación y Creación
El segundo saber básico implica la experimentación, creación e interpretación en las profesiones vinculadas a las artes plásticas y visuales. Específicamente, introducir el lenguaje de la ilustración de moda, junto al del diseño y la publicidad, permite ampliar la visión hacia una realización profesional.
También las artes audiovisuales, así como las artes escénicas y performativas, se incluyen en este segundo saber básico. Por lo que es pertinente recordar que los profesionales de la ilustración de moda no siempre trabajan en su estudio, sino que su escenario es a menudo un espectáculo: la pasarela.
Efectivamente, la ilustración de una determinada colección nace en ocasiones de los bocetos realizados durante un pase de modelos. Entonces, captar el movimiento en pocas líneas es fundamental.
Asimismo, hay que considerar que la creatividad en los pases de modelos aúna la fotografía, el lenguaje visual, audiovisual y multimedia. Estos son otros conocimientos básicos en los que se desarrolla la educación artística.
En la práctica, después de haber mostrado ejemplos de ilustraciones, nuestros alumnos podrían realizar tres sencillos ejercicios:
-Traer a clase su prenda favorita de casa y dibujarla.
-Elegir una muñeca o un muñeco, colocarlo de pie y dibujarlo.
-Dibujar a algún compañero mientras posa sentado o de pie.
En los tres primeros cursos de Secundaria se van afianzando los aprendizajes de Primaria. Y en el curso final de la etapa, la asignatura de Expresión Artística revisa conocimientos básicos adquiridos, basados en los saberes explicados más arriba.
En el cuarto curso de Secundaria, el alumnado, lógicamente por un mayor desarrollo personal, demuestra mejor dominio del lenguaje narrativo. También su mirada es más crítica y manifiesta una mayor o menor empatía hacia las distintas producciones artísticas. Por esta razón, se puede profundizar algo más en cómo se aborda la ilustración de moda en la actualidad.
La capacidad de retentiva del dibujante también cuenta. Cuando no es posible asistir a los desfiles, los ilustradores se inspiran en las fotografías de las revistas y los vídeos de pasarelas. Pero no siempre se pretende plasmar a la perfección la imagen. Al contrario, se intenta aportar algo nuevo, una pose diferente, una composición distinta.
Y, además, hay que valorar la influencia de los medios tecnológicos. Algunos dibujos se elaboran combinando técnicas tradicionales con herramientas y software digitales.
Una vez introducido el escenario actual de la ilustración de moda, sería posible para los alumnos realizar los siguientes ejercicios:
–Elegir un ilustrador o ilustradora y resumir los rasgos principales de sus dibujos. Puesta en común.
–En casa, hacer varios bocetos de alguien posando de distintas maneras.
–Dibujar varios modelos de una determinada colección, tomando como referencia no solo fotografías sino también vídeos.
Durante el desarrollo del último curso de Secundaria será necesario explicar cómo pueden especializarse o adquirir mayor conocimiento. E igualmente si estamos enseñando a estudiantes de Bachillerato Artístico.
¿Dónde ubicamos la ilustración de moda en los programas oficiales?
En las últimas décadas, se han venido impartiendo conocimientos básicos para poder dibujar figurines, asociados a estudios concretos de Formación Profesional.
En las escuelas donde se aprende diseño de moda, además de los estudios básicos de dibujo, hay varias materias que reúnen conocimientos específicos del dibujo de figurines. Estos suelen aparecer en las asignaturas «Diseño de Moda» o «Dibujo de Moda», impartidas en las Escuelas de Arte y Superior de Diseño. Incluso, en alguna de estas escuelas la asignatura recibe el nombre de «Taller de Ilustración de Moda».
El dibujo de figurín también es parte de la formación para ser Técnico o Técnica Superior de Artes Plásticas y Diseño en Modelismo de Indumentaria o Técnico o Técnica Superior de Artes Plásticas y Diseño en Estilismo de Indumentaria. En concreto, el módulo se llama «Dibujo del natural y su aplicación a la indumentaria». Son profesiones vinculadas entre sí. El modelista o patronista de moda está en contacto estrecho con el estilista, traduciendo figurines a planos técnicos y realizando las pruebas sobre el maniquí.
Además, hay una asignatura que se llama «Figurinismo», que se cursa en las escuelas superiores de Arte Dramático, la cual también recibe el nombre de «Indumentaria». Esta reúne los contenidos básicos de las enseñanzas artísticas, de modo que los estudiantes sepan plasmar en dibujos la ropa de los actores de acuerdo a un guion. También deben conocer las diferentes telas y la teoría del color para una buena elección del material. Incluso, en algunas escuelas llegan a realizar las prendas y ajustarlas.
Además, la asignatura puede incluir el diseño de postizos, peinados, máscaras y maquillaje en general, por lo cual es fundamental que tengan asimilado el proceso de análisis de formas partiendo de bocetos.
Y como extensión al mundo del videojuego, el «Figurinismo» también es fundamental en el diseño de los personajes y el vestuario. Cada personaje debe ser reconocible en la pantalla y se debe poder animar. Por esta razón, el dibujo de la ropa y la elección del color o la textura se han de hacer en equilibrio con la narrativa visual y el diseño funcional.
La ilustración de moda en la enseñanza universitaria
Ángel Caño: "La ilustración de moda seguirá ocupando un lugar relevante en la formación de los futuros profesionales del diseño, pues es una herramienta fundamental para la expresión visual de un diseñador"
La ilustración de moda también es una asignatura en instituciones como la Universidad Rey Juan Carlos, dentro del grado en Diseño y Gestión de Moda. En el departamento de Arte y Humanidades, imparte clases de ilustración de moda el profesor Ángel Caño Hidalgo.
El profesor Caño define el figurín como:
“…el medio ideal para representar gráficamente la figura humana vestida. Debe tener expresión sobria, trazo suelto, cierto movimiento y una pose elegante. Su función es hacer de base del vestido, pero nunca debe destacar sobre él. No tiene por qué mantener la perfección de la anatomía, pero sí debe plasmar algunos detalles de expresión, marcar los planos, ángulos y líneas de manera que sea posible reproducir la pose de la modelo”. *
Él mismo nos explica su labor y cómo ve el futuro de la asignatura dentro del contexto educativo y profesional.
Una de las áreas temáticas en la Universidad Rey Juan Carlos es la Ilustración de moda. ¿Cuál es el perfil del estudiante en sus clases? ¿Qué estudios han cursado antes de llegar a la Universidad Rey Juan Carlos?
–La asignatura de Ilustración de Moda en el Grado de Diseño y Gestión de Moda se imparte en primer curso, y el perfil del alumnado es muy heterogéneo. Una parte importante procede del Bachillerato de Artes, pero también tengo alumnos que proceden del Bachillerato de Humanidades o de Ciencias Sociales. Incluso, algunos con ciclos formativos en patronaje o marketing.
Generalmente es un grupo muy motivado por la dimensión creativa y práctica de los estudios, y con un alto interés, lógicamente, y ciertos conocimientos de diseñadores y marcas de moda.
Al ser un grupo tan diverso, encuentro diferencias importantes en su formación en dibujo artístico y representación gráfica, que obligan a empezar la asignatura con un aprendizaje previo de los fundamentos del dibujo, análisis de las formas y representación de la figura humana, pues hay alumnos que apenas han dibujado en su formación.
Como profesor de la asignatura, ¿cuáles son sus objetivos principales? ¿Qué aprenden básicamente sus alumnos en su clase?
–El objetivo más importante es dotar al alumno de las herramientas y técnicas plásticas y creativas necesarias para que sea capaz de expresar visualmente sus ideas con solvencia y personalidad. Se busca también introducir al alumno en el terreno profesional específico de la ilustración de moda en sus diferentes aspectos, que van más allá del figurín: la ilustración publicitaria, la comunicación editorial, el dibujo de complementos o la presentación de una colección de moda y los diferentes pasos en su planificación.
El aprendizaje se desarrolla a través de una metodología eminentemente práctica, en la que el alumnado aprende estos aspectos durante el desarrollo del curso a través de diferentes técnicas de ilustración (grafito, lápiz de color, acuarela, rotulador, …) que culminan en un proyecto final enfocado como si fuera un encargo profesional real.
Este proyecto les permite conocer las diferentes fases del proceso creativo y profesional que conlleva la ilustración de una colección o un lookbook (portafolio visual): desde la investigación inicial sobre la idea propuesta y la búsqueda de referencias hasta la elaboración del moodboard (panel gráfico de ideas), la definición conceptual, la selección de paletas cromáticas y la elección de las técnicas de representación.
El alumno, antes del arte final, debe desarrollar y presentar bocetos de su trabajo al cliente (el profesor en este caso) para su aprobación. De este modo, el alumnado no solo adquiere competencias técnicas, sino también una comprensión integral de los procesos de planificación, comunicación y desarrollo propios del ámbito profesional de la moda.
Actualmente existe una tendencia a dibujar directamente en la tablet. ¿Qué opina sobre la intervención digital en las ilustraciones de moda?
–La incorporación de las herramientas digitales forma ya parte de la realidad profesional actual. De hecho, paralelamente a mi asignatura en el grado, existe otra dedicada a los métodos digitales en la que muchas veces los alumnos aprovechan diseños que han elaborado con métodos tradicionales.
La tecnología digital debe entenderse no como un sustituto sino como una herramienta más dentro del proceso creativo.
Considero muy importante que el alumno adquiera primero una buena base en técnicas tradicionales, que favorecen la comprensión de aspectos esenciales como la proporción, el gesto, la composición, la expresividad. Es revelador observar cómo el grupo agradece, en un mundo invadido por lo digital, el contacto de la mano con lo material, el color, la textura, el soporte.
A partir de este conocimiento es evidente que las técnicas digitales amplían en gran medida las posibilidades de edición, producción y difusión de lo representado. La convivencia entre ambos lenguajes enriquece el proceso creativo y es el alumno el que tiene que encontrar el medio con el que mejor expresar sus ideas. Nunca la “facilidad” que puede proporcionar el medio digital puede sustituir a la sensibilidad estética y la creatividad.
Es revelador observar cómo el grupo agradece, en un mundo invadido por lo digital, el contacto de la mano con lo material, el color, la textura, el soporte
"Es cierto que esa “facilidad” de la que habla, aunque muy útil en ciertos momentos, no puede sustituir la genialidad de algunos trabajos producidos en el pasado. ¿Hay algún ilustrador o ilustradora en particular que nunca falte como ejemplo en sus lecciones?
–Durante el curso hay una lección específica sobre la historia de la ilustración de moda donde se repasa la evolución y los ilustradores más influyentes de cada época, y en la presentación de cada técnica muestro ejemplos de los ilustradores que mejor la representan.
Es difícil elegir, pero entre los referentes más importantes o los que más sorprenden a los alumnos podrían estar Erté, el longevo e icónico ilustrador de la revista Harper’s Bazaar, o George Lepape, que ilustró durante varias décadas las portadas de Vogue. En él destaco la innovación, la versatilidad y la evolución permanente de su estilo. También René Gruau, que fue el ilustrador más importante de la casa Dior, y que impulsó en los 50 la revolucionaria silueta del New Look.
Ya en la segunda mitad del siglo, la figura del puertorriqueño Antonio (Antonio López), creador transgresor, e ilustrador multidisciplinar, descubridor de talentos y uno de los más influyentes del siglo. Por último, un artista contemporáneo, David Downton, fundador en 2007 de la primera revista dedicada exclusivamente a la ilustración de moda: Pourquoi pas?. Su estilo se caracteriza por un dibujo magistral y un dominio de la tinta y la acuarela que combina la elegancia clásica con una modernidad y frescura capaces de transmitir la esencia del modelo.
Sin duda es una parte fascinante de la asignatura que debe ayudar a sus alumnos a tener una idea clara sobre la dimensión artística de la ilustración de moda. ¿Cómo pueden sus estudiantes proyectar profesionalmente los conocimientos adquiridos?
–En el curso intento que los alumnos entiendan que la ilustración es algo más que una técnica de representación, que es una herramienta de comunicación visual que les va a ser muy útil a lo largo de su carrera y en su futuro profesional, como ilustradores, diseñadores o incluso gestores. Aprender a transmitir y presentar una idea es una competencia que les va a ayudar en cualquier ámbito profesional relacionado con la industria de la moda.
Las capacidades desarrolladas durante el curso tienen como objetivo la posibilidad de proyectarse profesionalmente en campos tan diversos como la ilustración editorial y publicitaria, la creación de contenidos para marcas de moda, el diseño de colecciones o la comunicación visual en redes sociales. La elaboración del proyecto les permite familiarizarse con metodologías de trabajo similares a las que encontrarán profesionalmente en las empresas del sector.
¿Cómo ve el futuro de la asignatura de ilustración de moda o figurines?
–Creo que la ilustración de moda seguirá ocupando un lugar relevante en la formación de los futuros profesionales del diseño porque, a mi entender, constituye una herramienta fundamental para la expresión visual del pensamiento de un diseñador. Adquirir la capacidad de conceptualizar y sintetizar gráficamente una idea o una colección y dotarla de una identidad propia es una competencia esencial en el desarrollo creativo.
Muchas gracias por sus claras respuestas y aportaciones. ¿Quiere añadir algo más sobre la asignatura o la ilustración de moda en general?
–Como he mencionado al principio de la entrevista, la asignatura de ilustración de moda tiene que ir de la mano con el análisis de formas y el dibujo de la figura humana para integrarla posteriormente con las nuevas herramientas digitales en la creación de contenidos.
Por último, me gustaría enfatizar la importancia que la experiencia matérica aporta al estudiante frente a la inmediatez de muchas herramientas digitales. El trabajo manual exige observación, tiempo, reflexión y toma de decisiones conscientes. Con ello el alumno dialoga con el material, comprende sus posibilidades y aprende a desarrollar una sensibilidad visual que difícilmente podría adquirirse únicamente a través de una pantalla.
**
Tanto si eres profesor como si eres alumno, te animo a añadir tu opinión al respecto de este artículo en los comentarios.
